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Visite du bâtiment est

Utilisez votre smartphone pour découvrir une grande variété d’œuvres grâce aux commentaires des conservateurs de la National Gallery of Art. Allez à votre rythme en écoutant autant de commentaires que vous le souhaitez dans l’ordre que vous voulez.

Pour obtenir des informations sur une œuvre, tapez le numéro du commentaire dans le cadre ci-dessous, cliquez sur « Go » et appuyez sur Play lorsque le commentaire apparait. Veillez à ne pas déranger les autres visiteurs et à mettre des écouteurs lorsque vous utilisez l’audioguide.


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    Stop 0
    Introduction

    Le bâtiment abrite la collection croissante d'art moderne et contemporain. Le projet de construction du bâtiment est commencé en 1968, bien que le site ait été destiné à cet usage par le fondateur Andrew W. Mellon dès les années 1930. Le bâtiment ouvre au public en 1978 et de nouveau en 2016 après trois ans de rénovations et d'agrandissement des galeries. Nous vous invitons à explorer les nouvelles expositions des galeries rénovées et à laisser votre subjectivité entrer en relation avec les œuvres exposées.

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    Stop 1
    Alexander Calder artist
    American, 1898 - 1976
    Untitled 

    Le mobile monumental d'Alexander Calder bouge uniquement au gré de l'air qui circule dans l'atrium du bâtiment est. Le mobile est construit en aluminium et non en acier – matériau habituellement choisi par Calder – ce qui permet ce mouvement libre. Le sculpteur avait initialement pensé à inclure un moteur, mais l'utilisation de matériaux légers de pointe lui a permis de faire sans. Bien que l'envergure de la sculpture dépasse les 26 m, l'œuvre ne pèse au total que 417 kilos, soit environ 2 tonnes de moins que si elle était faite en acier.

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    Stop 2
    Edouard Vuillard artist
    French, 1868 - 1940
    Woman in a Striped Dress 

    Édouard Vuillard était membre d'un groupe quasi mystique formé vers 1890 par de jeunes artistes qui s'appelaient eux-mêmes les Nabis (mot hébreu qui signifie « prophète »). Les Nabis rejetaient l'impressionisme et considéraient la simple représentation des apparences du monde naturel comme irréfléchie et grossière. Femme dans une robe rayée est l'un des cinq tableaux que Vuillard peignit en 1895 pour Thadée Natanson et sa femme Misia Godebska. La femme rousse, pensive, qui arrange ici le bouquet représente peut-être Misia, que Vuillard admirait beaucoup.

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    Stop 3
    Pierre Bonnard painter
    French, 1867 - 1947
    Nude in an Interior 

    Pierre Bonnard était membre d'un groupe quasi mystique formé vers 1890 par de jeunes artistes qui s'appelaient eux-mêmes les Nabis (mot hébreu qui signifie « prophète »). Les Nabis rejetaient l'impressionisme et considéraient la simple représentation des apparences du monde naturel comme irréfléchie et grossière. Bonnard saisissait souvent des moments intimes, comme celui-ci, et utilisait son travail pour explorer et expérimenter avec les couleurs et leurs harmonies.

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    Stop 4
    Georges Braque artist
    French, 1882 - 1963
    Still Life: Le Jour 

    Georges Braque est connu pour son travail avec Pablo Picasso, les deux artistes ayant ensemble créé le nouveau style du cubisme vers 1910. Cette peinture est représentative d'une période plus tardive de la carrière de Braque au cours de laquelle il incorpore des éléments cubistes à des natures mortes et autres sujets. Ici, le grain du bois de la table, le motif du papier peint au fond et le texte du journal soulignent le jeu de motifs et de textures.

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    Stop 5
    Amedeo Modigliani artist
    Italian, 1884 - 1920
    Head of a Woman 

    Cette sculpture, aux traits étirés et aux yeux en amande, possède les caractéristiques des personnages stylisés que l'on retrouve dans de nombreuses peintures d'Amedeo Modigliani. Modigliani se concentre sur la sculpture entre 1909 et 1914 environ, avant de mourir de tuberculose à l'âge de 35 ans en 1920.

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    Stop 6
    George Bellows painter
    American, 1882 - 1925
    New York 

    Achevé en février 1911, New York est un tableau ambitieux de grande taille par lequel George Bellows saisit l'essence de la vie moderne dans la ville de New-York. L’intention de Bellows ici n’est pas de représenter un lieu particulier ou identifiable de la ville. S'inspirant de plusieurs quartiers commerciaux très fréquentés, il imagine une image composite et incroyablement saturée pour mieux donner le sentiment du rythme effréné de la ville.

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    Stop 7
    Edward Hopper painter
    American, 1882 - 1967
    Ground Swell 

    Le ciel bleu, les personnages exposés au soleil et la houle de Ground Swell donnent une impression immédiate de calme, mais certains détails de la peinture remettent en question ce sentiment initial de sérénité. Le bateau se trouve face à une bouée au milieu d'un paysage marin qui est par ailleurs vide. Son usage – l'avertissement d'un danger invisible ou imminent – rend la scène inquiétante. Les nuages cirrus dans le ciel bleu, souvent annonciateurs d'orage, renforcent cette impression de perturbation.

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    Stop 8
    Georgia O'Keeffe painter
    American, 1887 - 1986
    Jack-in-the-Pulpit No. IV 

    Étant jeune, Georgia O’Keeffe était particulièrement fascinée par l'arisème petit-prêcheur (jack-in-the-pulpit en anglais). En 1930, elle compose une série de six toiles représentant cette plante à fleurs courante en Amérique du Nord près du lac George à New-York. Jack-in-the-Pulpit n° IV montre un gros plan du spadice, tel une langue, sur le fond violet foncé de l'intérieur caverneux de la spathe. Un feuillage vert et la suggestion d'un ciel couvert encadrent la fleur dans les coins gauche et droit du haut de la peinture.

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    Stop 9
    Aaron Douglas artist
    American, 1899 - 1979
    The Judgment Day 

    En 1927, James Weldon Johnson, personnage emblématique de la Renaissance de Harlem, publie son chef-d'œuvre, God’s Trombones: Seven Negro Sermons in Verse. Chaque sermon, sous forme de poème, est accompagné d'une illustration d'Aaron Douglas, un jeune artiste afro-américain récemment venu vivre à Harlem. Des années plus tard, Douglas commence à traduire ses illustrations en peintures à huile de grand format. The Judgment Day est le dernier d'une série de huit tableaux. Au centre, l'imposant ange Gabriel enjambe terre et mer. Avec sa trompette, l'archange appelle les nations de la terre à se présenter au Jugement.

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    Stop 10
    Ellsworth Kelly painter
    American, 1923 - 2015
    Tiger 

    Les couleurs de Tiger proviennent de collages d'étude élaborés par Ellsworth Kelly à partir d'un type de papier gommé de couleur vendu par les papetiers parisiens et utilisé dans les écoles primaires françaises. L'utilisation de ce matériau révèle l'intérêt de Kelly pour les objets trouvés, un élément clé pour comprendre son univers visuel. Kelly trouvait ses formes et contours abstraits dans les espaces vides de son environnement naturel ou urbain. À l'époque où cette peinture a été réalisée, Kelly passait beaucoup de temps à regarder l'art et l'architecture européens. Les structures géométriques qu'il y voyait sont probablement à l'origine, bien qu'indirectement, de Tiger.

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    Stop 11
    Pablo Picasso artist
    Spanish, 1881 - 1973
    Family of Saltimbanques 

    Famille de saltimbanques est la peinture la plus importante du début de la carrière de Pablo Picasso. À ses yeux, ces saltimbanques vagabonds (acrobates, danseurs, bouffons) représentent la mélancolie de la classe marginalisée et négligée des artistes, une sorte de famille élargie à qui il s'identifie. Comme les membres de cette famille, le peintre espagnol a connu la pauvreté lors de ses premières années à Paris alors qu'il cherchait à être reconnu. L'arlequin triste – au costume à losanges, tout à gauche – a le visage sombre et intense du jeune artiste lui-même.

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    Stop 12
    André Derain artist
    French, 1880 - 1954
    Charing Cross Bridge, London 

    À l'époque de ce tableau, André Derain est en visite à Londres et saisit des sujets similaires à ceux que Claude Monet a peints quelques années auparavant. Cependant, la palette de Derain et sa perspective des scènes contrastent fortement avec l'œuvre du maître impressionniste. Arborant des couleurs vives et crues, cette peinture est typiquement fauve, un style qu'il développe avec Henri Matisse.

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    Stop 13
    Henri Matisse painter
    French, 1869 - 1954
    Open Window, Collioure 

    Aujourd'hui Fenêtre ouverte, Collioure de Henri Matisse peut sembler suave et lyrique, mais à l'époque, ses gros coups de pinceaux et l'intensité des couleurs ont été reçus comme violents. De petite taille mais visuellement explosif, ce tableau emblématique du début du modernisme est désormais reconnu comme l'une des toiles les plus importantes du mouvement fauve, un groupe d'artistes qui cherchaient à libérer la couleur et les textures des représentations aux apparences naturelles. Fenêtre ouverte, Colliourereprésente la naissance de cette approche dans l'art de Matisse.

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    Stop 14
    Ernst Ludwig Kirchner painter
    German, 1880 - 1938
    Two Girls under an Umbrella 

    Cette œuvre date du début de la carrière prolifique d'Ernst Ludwig Kirchner, lorsqu'il était l'un des membres fondateurs du groupe expressionniste Die Brücke (Le Pont) à Dresde en 1905. Dans ce tableau, Kirchner présente deux nus dans un décor naturel plutôt que dans un espace artificiel d'atelier académique. La peinture illustre également l'utilisation de formes franches, souvent crues, et de couleurs vives par l'artiste.

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    Stop 15
    Wassily Kandinsky artist
    Russian, 1866 - 1944
    Improvisation 31 (Sea Battle) 

    La peinture de Wassily Kandinsky n'est pas sans rapport au réel, mais les détails sont ici déformés et adaptés de façon à exprimer une atmosphère. Bien que les formes indéfinies et les lavis de couleurs semblent parfaitement abstraits a priori, ils composent quelques images reconnaissables. Deux bateaux, motif central d'Improvisation n° 31 (Bataille navale), dont les mâts sont suggérés par de fines lignes noires, sont en plein combat. Le sujet, que l'on retrouve dans plusieurs Improvisations de Kandinsky, a probablement été inspiré par l'imagerie apocalyptique du Livre de la Révélation.

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    Stop 16
    Alberto Giacometti artist
    Swiss, 1901 - 1966
    No More Play 

    Alberto Giacometti, l'un des grands sculpteurs surréalistes, incorporait souvent des thèmes ludiques dans ses premières œuvres, comme dans cette sculpture. La forme utilisée ici par l'artiste ressemble à un jeu de société, avec des pièces déplaçables, mais ce en quoi le jeu consiste n'est pas clair. L'espace ambigu et les règles inconnues du « jeu » représenté par On ne joue plus donnent le sentiment qu'il s'agit d'un objet que l'on pourrait voir en rêve.

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    Stop 17
    Marcel Duchamp artist
    American, born France, 1887 - 1968
    Fresh Widow 

    Marcel Duchamp cherchait à défier les hypothèses sous-jacentes aux appréhensions traditionnelles de la peinture et de la sculpture. Fasciné par le concept américain des reproductions faciles et peu onéreuses, Duchamp commence à s'approprier des objets trouvés pour ses readymades, terme anglais qu'il emprunte à l'industrie du prêt-à-porter à l'époque où il vit à New-York. Il choque le monde de l'art en tentant d'exposer ces objets ordinaires, ne montrant souvent aucune altération, si ce n'est l'ajout de sa signature. Le titre de cette œuvre est un jeu de mot où la lettre n des mots French et window est supprimée (French window en anglais signifie « porte-fenêtre », tandis que Fresh Widow se traduit par « tout juste veuve ») et fait référence aux femmes récemment devenues veuves suite à la Première Guerre mondiale. Duchamp n'a pas fabriqué la fenêtre miniature lui-même ; il a confié le travail à un menuisier américain.

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    Stop 18
    Constantin Brancusi artist
    Romanian, 1876 - 1957
    Bird in Space 

    Bien que cette sculpture puisse sembler abstraite, Constantin Brancusi insistait sur le fait que ses œuvres  révèlent l'essence profonde de ses sujets. Son travail s'inspire des traditions des sculptures africaines et de la sculpture roumaine populaire, et fait du socle un élément intégrant de l'œuvre. Brancusi passe plusieurs années à travailler sur sa série Oiseau dans l'espace, concevant un ensemble qui s'avérera être le couronnement de son œuvre. Contrairement aux autres sculpteurs, Brancusi n'avait pas un grand atelier. Il travaillait seul sur ses matériaux, en l'occurrence à graver de la pierre et à polir le laiton.

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    Stop 19
    Piet Mondrian artist
    Dutch, 1872 - 1944
    Tableau No. IV; Lozenge Composition with Red, Gray, Blue, Yellow, and Black 

    Dans ses peintures abstraites, Piet Mondrian cherchait à exprimer sa conception spirituelle selon laquelle des harmonies universelles règnent dans la nature. Les éléments horizontaux et verticaux de ses compositions, soigneusement calculés de façon à produire une asymétrie équilibrée, représentent des forces opposées qui évoquent l'équilibre dynamique du monde naturel. Selon Mondrian, les compositions en losange mettent en valeur la coupure, et ce sentiment de recadrage est en effet frappant ici. Les formes sont incomplètes et tronquées par les bords de la toile, suggérant une continuation au-delà des limites physiques de la peinture.

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    Stop 20
    Jean Dubuffet painter
    French, 1901 - 1985
    Façades d'immeubles (Building Façades) 

    Ayant le sentiment que la peinture a besoin de repartir de zéro au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Jean Dubuffet s'inspire du travail des non initiés, en particuliers des enfants et des artistes autodidactes, qu'il collectionne et appelle « art brut ». Dans Façades d’immeubles, Dubuffet montre son propre « art brut ». En utilisant une pratique scolaire consistant à gratter la peinture noire pour révéler un fond de couleur peint au préalable, Dubuffet crée la vue d'une rue parisienne telle qu'elle pourrait apparaître à un enfant. Cependant, la grille soigneusement contrôlée et le mur compact et imposant de peinture démontrent que Dubuffet connaissait les tactiques modernistes.

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    Stop 21
    Arshile Gorky artist
    American, born Armenia, 1904 - 1948
    One Year the Milkweed 

    Dans One Year the Milkweed, l'une des peintures dites « voile de couleurs » produites par Arshile Gorky en 1944, des pellicules de peinture ont été lavées inégalement au travers de la toile, tandis que des formes évocatrices mais floues y ont été balayées. Les teintes dominantes vertes et marron suggèrent un paysage, mais il n'y a aucune forme identifiable de paysage et aucun effet de perspective. Des coulures verticales et une alternance de tons lumineux et sombres créent un effet de mouvement et de chatoiement sur toute la surface de la toile.

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    Stop 22
    Jackson Pollock artist
    American, 1912 - 1956
    Number 1, 1950 (Lavender Mist) 

    En 1948, les premières peintures de taille murale de Jackson Pollock qui utilisent la technique de l'égouttement, ou « dripping », suscitent des avis partagés. Pour cette peinture, Pollock étend une grande toile à même le sol dans son atelier (une grange reconvertie), recouvrant presque tout l'espace. Il utilise de la peinture de décoration d'intérieur, de la peinture à l'huile, de l’émail et de l’aluminium, et il fait goutter (en anglais : drip), gicler ou il verse de la couleur avec des pinceaux ou des bâtons dégoulinants tout en marchant autour de la toile. Il disait que c'était sa façon d'être « dans » son œuvre, en agissant comme intermédiaire dans le procédé créatif. Il a apposé sa « signature » dans l'angle en haut à gauche et au sommet de la toile avec l'empreinte de ses mains.

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    Stop 23
    Joan Mitchell painter
    American, 1925 - 1992
    Piano mécanique 

    Joan Mitchell est l'une des premières femmes à faire sa place dans le monde macho et sexiste des expressionnistes abstraits. Dans cette peinture, les lignes brutes et vivantes sur fond blanc démontrent la technique de peinture spontanée et impulsive de Mitchell. Elle s'inspirait souvent de ses souvenirs d'enfance du lac Michigan pour ses compositions picturales, qu'elle appelait parfois « paysages expressionnistes ». En raison de leur abstraction totale, le spectateur est invité à envisager ses œuvres au niveau émotionnel.

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    Stop 24
    Morris Louis artist
    American, 1912 - 1962
    Beta Kappa 

    L'œuvre de Morris Louis traite essentiellement de la couleur. Profondément influencé par la technique de coloration par taches de l'artiste Helen Frankenthaler, Louis commence à étudier le potentiel de cette technique pour donner un nouveau rôle à la couleur dans sa peinture abstraite. Il dilue sa peinture acrylique (une peinture au séchage rapide) et la verse sur la toile non préparée en bougeant la toile ou l'échafaudage auquel elle est vaguement agrafée pour contrôler la progression du pigment. La technique de tache permet à Louis d'obtenir un aspect impersonnel, contrairement au style expressionniste abstrait dominant à l'époque qui met en valeur les gestes de l'artiste grâce aux coups de pinceaux.

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    Stop 25
    Roy Lichtenstein artist
    American, 1923 - 1997
    Look Mickey 

    Look Mickey est peut-être le tableau où Roy Lichtenstein, pour la première fois, transpose une scène et un style issus d'une référence de culture populaire : le livre pour enfants de 1960 Donald Duck: Lost and Found. Lichtenstein modifie légèrement l'original pour en faire une image plus homogène. Il omet des personnages en arrière-plan, il tourne le point de vue à 90 degrés, il organise les couleurs en aplats de jaune ou de bleu, et il simplifie les traits des personnages. Au niveau stylistique, Lichtenstein imite les techniques d'impression : ses contours épais noirs, ses couleurs primaires et, dans les yeux de Donald et le visage de Mickey, ses points d'encre Benday, une technique d'impression moins coûteuse alors utilisée pour produire les bandes dessinées en livres et dans les magazines.

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    Stop 26
    Donald Judd artist
    American, 1928 - 1994
    Untitled 

    Sans titre de Judd est posé à même le sol sans socle, directement dans l'espace du spectateur. Presque aucune autre sculpture antérieure n'avait été présentée ainsi, sans le moindre cadre. La structure cubique suit une logique géométrique au lieu de faire appel à un langage d'expression : elle est coupée en deux dans le sens de la diagonale et l'une des moitiés est deux fois plus haute que l'autre, ce qui forme une sorte de marche. Judd attaque ce qu'il considère comme l'illusionnisme sans fin du modernisme européen en présentant plutôt une forme nette qui n'existe qu'en tant qu'objet. Sa recherche de l'espace littéral plutôt qu'apparent remet en question les conditions de perspective traditionnelle en peinture.

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    Stop 27
    Eva Hesse sculptor
    American, born Germany, 1936 - 1970
    Test Piece for "Contingent" 

    Eva Hesse ne voulait pas créer ce qu'elle considérait comme de la belle sculpture conventionnelle. Elle refusait d'utiliser des matériaux de sculpture traditionnels, tels que le métal ou la pierre, et préférait des matières plus flexibles telles que les fibres, le plâtre ou, comme pour cette ébauche, le latex. Il s'agit de l'une des études pour l'œuvre finale Contingent, composée de huit bannières similaires, aujourd'hui exposée à la National Gallery of Australia. Hesse a décrit cette œuvre comme « ni peinture, ni sculpture. [...] C'est tout simplement une peinture suspendue ».

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    Stop 28
    Nam June Paik artist
    American, born South Korea, 1932 - 2006
    Untitled (Red Hand) 

    Nam June Paik est né à Séoul, en Corée du Sud actuelle, mais a grandi et vécu au Japon, en Allemagne et enfin à New-York. Il est le pionnier de l'utilisation de nouveaux médias, dont la vidéo, en art. Pour cette œuvre, Paik modifie un parchemin japonais du XIXe siècle en y apposant l'empreinte de sa main et en installant une lampe rouge clignotante derrière. La juxtaposition d'une forme d'art traditionnelle et de technologie moderne deviendra la marque de l'œuvre de Paik.

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    Stop 29
    Barnett Newman artist
    American, 1905 - 1970
    First Station 

    Personnalité importante du mouvement de l'expressionnisme abstrait, Barnett Newman était un intellectuel qui élaborait ses idées au travers de sa peinture, de sa sculpture et de ses écrits. Au milieu des années 1940, il crée ses premières œuvres utilisant les éléments verticaux distinctifs, ou « fermetures Éclair », qui traversent les surfaces de couleur unie de ses toiles. Cette peinture est la première d'une série de 14 toiles que Newman appellera plus tard The Stations of the Cross, « les stations du chemin de croix » (ainsi qu'une coda : une 15e peinture intitulée Be II). The Stations of the Cross est la tentative la plus ambitieuse de Newman pour aborder ce qu'il appelle une « crise morale » à laquelle les artistes font face suite à la Seconde Guerre mondiale et à l'Holocauste : « Qu'allons-nous peindre ? »

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    Stop 30
    Glenn Ligon artist
    American, born 1960
    Double America 

    Les lettres de la ligne inférieure de Double America présentent le mot America tête en bas, avec le côté extérieur peint en noir, ce qui permet à « l'ombre » du néon blanc de se refléter sur le mur. Le côté peint en noir des lettres de la ligne supérieure est tourné vers le mur de sorte que le spectateur regarde l'arrière lumineux des lettres. Cet agencement de perspectives déformées évoque le trouble politique causé par l'élection du premier président noir des États-Unis et la participation contemporaine du pays à deux guerres.

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    Stop 31
    Jenny Holzer artist
    American, born 1950
    PALM, FINGERS & FINGERTIPS (RIGHT HAND) 000394 

    L'art de Jenny Holzer prend appui sur du texte et fait appel à la conscience publique. En 2005, elle commence à utiliser des documents gouvernementaux déclassifiés et oblitérés comme matériau de base pour une série de sérigraphies. Voici l'une des six peintures représentante des empreintes de mains agrandies, extraites de documents gouvernementaux américains obtenus grâce à la loi relative à la liberté d'information. Les empreintes sont celles de soldats accusés de violences envers des prisonniers en Irak. Par son utilisation des matériaux traditionnels (de la peinture à l'huile et du lin) pour la reproduction et l'agrandissement des documents, Holzer attire l'attention du public sur des informations qui, à son avis, « passent souvent inaperçues ou ne sont pas toujours prises au sérieux ».

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    Stop 32
    Jasper Johns
    Target

    Jasper Johns émerge comme artiste notoire dans les années 1950 à la suite de la peinture fortement personnelle et gestuelle des expressionnistes abstraits. Il est reconnu pour sa représentation d'objets reconnaissables dans un style sobre, apparemment distant et souvent énigmatique. Johns sélectionne presque toujours le matériau premier de son art à partir d'images préexistantes, ce qu'il décrit comme « des choses que l'esprit connait déjà ». Dès le début de sa carrière, il choisit des motifs très courants tels que des chiffres ou des formes dérivés de pochoirs commerciaux, des cibles, des drapeaux américains et des cartes des États-Unis. L'aspect tactile des surfaces dans des œuvres comme celle-ci est frappant et témoigne du lien étroit que Johns perçoit entre la peinture et la sculpture.

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    Stop 33
    Helen Frankenthaler
    Mountains and Sea

    Mountains and Sea est un parfait exemple de la technique de Helen Frankenthaler, qui crée des œuvres en produisant des taches de couleurs, par un procédé consistant à faire couler de la peinture diluée sur une toile brute non préparée. Cette méthode donne lieu à des étendues de couleurs transparentes qui semblent flotter dans l'espace, la trame de la toile accentuant l'aspect plat de l'image. Ses agencements de couleurs et de formes évoquent souvent l'environnement naturel, et chaque œuvre crée un espace et une atmosphère visuels uniques.

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    Stop 34
    Sigmar Polke painter
    German, 1941 - 2010
    Hope is: Wanting to Pull Clouds 

    Ce tableau présente un jeune homme au bord de la mer qui tente de se battre avec des nuages. Sigmar Polke s'approprie l'image de cette gravure sur bois allemande du XVIe siècle publiée dans un livre d'épigrammes. L'image illustre une citation : « L'espoir est une longue corde avec laquelle beaucoup se tirent vers la mort » – un rappel de nos luttes contre le destin. Cependant la représentation de Polke est bien moins morne, elle exprime peut-être même l'espoir. L'artiste élimine des détails de la gravure originale, y compris des jets de flammes qui sortent de la bouche de l'homme et le décor de bord de mer d'origine. Polke les remplace par son propre fond, peuplé de formes géométriques multicolores. 

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    Stop 35
    Kerry James Marshall artist
    American, born 1955
    Great America 

    Depuis les années 1980, Kerry James Marshall utilise un éventail de techniques et de modes de représentation pour célébrer et rendre visible la vie des personnes noires en Amérique. Great America raconte  la grande histoire du traumatisme inconnaissable des esclaves africains qui ont connu le « Passage du milieu », le voyage transatlantique d'est en ouest. L'attention du spectateur est attirée par le langage exubérant (« WOW ») et les couleurs vives contrastant avec les figures noires assises dans un bateau qui entre dans le tunnel hanté d'un parc d'attractions. En haut à droite, une tête isolée flotte au-dessus de l'eau. Le mot « FUN » (amusement) est oblitéré. Le titre pose implicitement la question, comme l'a dit l'artiste, « Quand l'Amérique est-elle devenue grande et belle pour les noirs ? ».

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