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동관 오디오 투어

스마트폰을 통해 내셔널 갤러리 오브 아트 큐레이터의 목소리로 다양한 작품을 감상하실 수 있습니다. 원하시는 순서와 속도로 원하시는 만큼 많은 작품들의 설명을 들으며 감상하실 수 있습니다.

미술품에 대한 정보를 들으시려면 아래 상자에 위치 번호를 입력하신 후 이동을 선택하고 위치에 왔을 때 재생 버튼을 누르십시오. 오디어 투어를 하시는 중에 다른 관람객을 생각하시어 헤드폰을 이용해 주십시오.

  • Stop  0 
    National Gallery of Art
    Introduction

    동관은 미술관에서 점점 더 규모가 커지고 있는 근대 및 현대 미술 작품을 소장하고 있습니다. 동관 계획은 1968년에 시작되었지만, 부지는 앤드류 W. 멜론(Andrew W. Mellon)이 1930년대에 지정해 두었습니다. 동관은 1978년에에 일반인에게 개방되었으며, 3년간의 리노베이션 및 갤러리 확장 프로젝트를 거쳐 2016년 다시 개장했습니다. 새롭게 단장한 갤러리를 살펴보시고 전시 중인 작품을 관람하시기 바랍니다.

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  • Stop  1 
    Alexander Calder  artist
    American, 1898 - 1976
    Untitled 

    알렉산더 칼더(Alexander Calder)의 모빌 대작이 동관 아트리움의 공기 흐름에 따라 움직입니다. 모빌의 이러한 움직임은 칼더가 주로 사용하는 소재인 용접 강철이 아닌 알루미늄으로 제작했기 때문에 가능합니다. 조각가는 모터 설치를 고려했었지만 최신 경량 소재를 사용함으로써 모터가 필요없게 되었습니다. 모빌의 날개 길이는 26미터(85피트)를 넘지만 총 중량은 417kg(920파운드)으로 강철로 만든 것보다 2톤 더 가볍습니다.

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  • Stop  2 
    Edouard Vuillard  artist
    French, 1868 - 1940
    Woman in a Striped Dress 

    에두아르 뷔야르(Édouard Vuillard)는 1890년경 활동하던 젊은 미술 작가들이 결성한 신비적 경향의 나비파(Nabis)의 일원이었습니다. 이 나비라는 이름은 선지자를 의미하는 히브리어 단어에서 유래되었습니다. 나비파는 자연의 외형을 단순히 묘사하는 것은 생각이 없는 비예술적인 행위로 간주하여 인상주의를 거부했습니다. 줄무늬 드레스를 입은 여인은 뷔야르가 1895년에 타데 나탄슨과 미샤 고데브스카 부부를 위해 그린 작품 5점 중 하나입니다. 그림 속에서 생각에 잠겨 꽃꽂이를 하고 있는 여인은 뷔야르가 아주 찬미했던 빨간 머리의 미샤 부인이 모델일 수 있습니다.

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  • Stop  4 
    Georges Braque  artist
    French, 1882 - 1963
    Still Life: Le Jour 

    조르주 브라크(Georges Braque)는 파블로 피카소와 함께 1910년경 입체파라는 새로운 양식을 창시한 것으로 유명합니다. 이 회화는 후에 브라크가 입체파 양식을 정물 및 기타 주제를 표현하는 데 적용했던 전형적인 후기 작품입니다. 이 작품에서 탁자의 나뭇결, 배경의 벽지 디자인, 신문지의 활자는 패턴과 질감의 상호 작용을 강조합니다.

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  • Stop  5 
    Amedeo Modigliani  artist
    Italian, 1884 - 1920
    Head of a Woman 

    이 조각품은 아메데오 모딜리아니(Amedeo Modigliani)가 많은 회화에서 길쭉한 얼굴과 아몬드형 눈으로 인물을 표현한 그의 독특한 인물화 양식을 반영합니다. 모딜리아니는 1909년부터 1914년까지 조각에 집중했으며, 1920년 35세에 결핵으로 사망했습니다.

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  • Stop  6 
    George Bellows  painter
    American, 1882 - 1925
    New York 

    1911년 2월에 완성된 뉴욕은 조지 벨로스(George Bellows)가 뉴욕시의 근대 생활상을 묘사한 야심찬 회화 대작입니다. 벨로스는 뉴욕시의 구체적이고 식별 가능한 장소를 나타내려고 의도하지 않았습니다. 대신, 그는 번화한 상업 지구 몇 곳을 중심으로 도시의 부산한 분위기를 가장 잘 표현할 수 있는 극도로 번잡한 이미지를 상상하여 그렸습니다.

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  • Stop  7 
    Edward Hopper  painter
    American, 1882 - 1967
    Ground Swell 

    1911년 2월에 완성된 뉴욕은 조지 벨로스(George Bellows)가 뉴욕시의 근대 생활상을 묘사한 야심찬 회화 대작입니다. 벨로스는 뉴욕시의 구체적이고 식별 가능한 장소를 나타내려고 의도하지 않았습니다. 대신, 그는 번화한 상업 지구 몇 곳을 중심으로 도시의 부산한 분위기를 가장 잘 표현할 수 있는 극도로 번잡한 이미지를 상상하여 그렸습니다.

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  • Stop  8 
    Georgia O'Keeffe  painter
    American, 1887 - 1986
    Jack-in-the-Pulpit No. IV 

    조지아 오키프(Georgia O’Keeffe)는 어린 시절에 특히 천남성에 매료되었습니다. 1930년, 오키프는 뉴욕의 레이크 조지에서 흔한 북미 개화 식물을 주제로 6연작 회화를 제작했습니다. 천남성 No. IV 는 동굴처럼 보이는 불염포의 진한 자주색 내부를 배경으로 혀와 같은 형태의 육수화서를 확대하여 묘사했습니다. 오른쪽 상단과 왼쪽 모서리에 녹색 잎과 흐린 하늘이 암시되어 있습니다.

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  • Stop  9 
    Aaron Douglas  artist
    American, 1899 - 1979
    The Judgment Day 

    1927년 할렘 르네상스의 핵심 인물인 제임스 웰든 존슨(James Weldon Johnson)은 그의 대표작 신의 트롬본: 흑인 설교 시 7편(God’s Trombones: Seven Negro Sermons in Verse)을 출판했습니다. 각 설교 시에는 당시 할렘에 정착한 젊은 아프리카계 미국인 미술 작가 아론 더글러스(Aaron Douglas)의 삽화가 수록되었습니다. 몇 년 후, 더글라스는 삽화를 대형 유화로 번안하여 그리기 시작했습니다. 최후 심판의 날(The Judgment Day)은 8연작 중 마지막 작품입니다. 중앙에는 강한 천사 가브리엘이 지구와 바다를 딛고 서 있습니다. 대천사는 나팔을 불어 지구의 국가들을 소환하여 심판합니다.

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  • Stop  11 
    Pablo Picasso  artist
    Spanish, 1881 - 1973
    Family of Saltimbanques 

    1927년 할렘 르네상스의 핵심 인물인 제임스 웰든 존슨(James Weldon Johnson)은 그의 대표작 신의 트롬본: 흑인 설교 시 7편(God’s Trombones: Seven Negro Sermons in Verse)을 출판했습니다. 각 설교 시에는 당시 할렘에 정착한 젊은 아프리카계 미국인 미술 작가 아론 더글러스(Aaron Douglas)의 삽화가 수록되었습니다. 몇 년 후, 더글라스는 삽화를 대형 유화로 번안하여 그리기 시작했습니다. 최후 심판의 날(The Judgment Day)은 8연작 중 마지막 작품입니다. 중앙에는 강한 천사 가브리엘이 지구와 바다를 딛고 서 있습니다. 대천사는 나팔을 불어 지구의 국가들을 소환하여 심판합니다.

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  • Stop  13 
    Henri Matisse  painter
    French, 1869 - 1954
    Open Window, Collioure 

    오늘날 앙리 마티스(Henri Matisse) 작 콜리우르의 열린 창(Open Window, Collioure)은 부드럽고 서정적인 회화로 보일 수 있지만 작품 발표 당시에는 두터운 붓질과 강렬한 색상이 폭력적인 양식으로 간주되었습니다. 작은 화폭이지만 폭발적인 작품인 이 초기 모더니즘의 아이콘은 야수파의 가장 중요한 회화 중 하나로 유명합니다. 야수파 미술 작가들은 자연 외관의 엄격한 재현을 거부하고 자유로운 색상과 질감을 추구했습니다. 콜리우르의 열린 창은 마티스의 예술 세계에서 새로운 양식의 시작을 나타냅니다.

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  • Stop  15 
    Wassily Kandinsky  artist
    Russian, 1866 - 1944
    Improvisation 31 (Sea Battle) 

    La peinture de Wassily Kandinsky n'est pas sans rapport au réel, mais les détails sont ici déformés et adaptés de façon à exprimer une atmosphère. Bien que les formes indéfinies et les lavis de couleurs semblent parfaitement abstraits a priori, ils composent quelques images reconnaissables. Deux bateaux, motif central d'Improvisation n° 31 (Bataille navale), dont les mâts sont suggérés par de fines lignes noires, sont en plein combat. Le sujet, que l'on retrouve dans plusieurs Improvisations de Kandinsky, a probablement été inspiré par l'imagerie apocalyptique du Livre de la Révélation.

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  • Stop  16 
    Alberto Giacometti  sculptor
    Swiss, 1901 - 1966
    No More Play 

    위대한 초현실주의 조각가 중 한 명인 알베르토 자코메티(Alberto Giacometti)는 이 조각품과 같은 초기작에서 게임과 놀이의 테마를 통합할 때가 많았습니다. 자코메티가 이 작품에서 사용한 형태는 움직일 수 있는 조각으로 구성된 보드 게임과 비슷해 보이지만 무슨 게임인지는 불분명합니다. 노 모어 플레이(No More Play)에 표현된 “게임”의 모호한 공간과 알 수 없는 규칙은 꿈에서나 볼 수 있는 사물처럼 느껴집니다.

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  • Stop  17 
    Marcel Duchamp  artist
    American, born France, 1887 - 1968
    Fresh Widow 

    마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 회화와 조각에 대한 전통적인 방식과 기본적인 가정을 거부했습니다. 값싸고 쉬운 미국식 복제 아이디어에 매료된 뒤샹은 뉴욕에 살면서 의류 산업에서 차용한 용어인 기성품, 즉 레디메이드에 적합한 발견된 오브제로 작품을 제작하기 시작했습니다. 그는 전시회에서 때때로 이러한 평범한 사물을 있는 그대로 자신의 서명만 추가하여 전시함으로써 미술계에 충격을 주었습니다. 이 작품의 제목은 프랑스식(French) 창(Window)이라는 단어에서 문자 n을 생략하고 조성한 펀(pun), 말장난으로 파리 아파트에서 흔히 볼 수 있는 이중 창과 제1차 세계대전으로 남편을 잃고 최근 미망인이 된 여성을 지칭한 것입니다. 뒤샹은 이 미니 창문을 직접 제작하지 않고 미국인 목수에게 디자인을 위탁했습니다.

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  • Stop  18 
    Constantin Brancusi  artist
    Romanian, 1876 - 1957
    Bird in Space 

    관람객의 눈에 이 작품은 추상 조각품으로 보일지 모르지만, 작가 콘스탄틴 브랑쿠시(Constantin Brancusi)는 자신의 작품은 주제 내면의 본질을 드러냈다고 주장했습니다. 그의 작품은 아프리카 조각과 루마니아 민속 조각 전통의 영향을 받았으며, 이를 바탕으로 미술의 본질적인 요소를 추구했습니다. 브랑쿠시는 공간의 새(Bird in Space) 연작을 그의 대표작으로 남을 앙상블로 생각하면서 수년간 제작에 임했습니다. 다른 조각가들과 달리, 브랑쿠시는 대형 작업장이 없고, 혼자서 소재를 준비하고 작품을 제작했으며, 이 작품의 경우에는 직접 석재를 깎고 황동을 연마했습니다.

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  • Stop  19 
    Piet Mondrian  artist
    Dutch, 1872 - 1944
    Tableau No. IV; Lozenge Composition with Red, Gray, Blue, Yellow, and Black 

    피에트 몬드리안(Piet Mondrian)은 추상 회화를 통해 보편적인 조화가 자연을 주재한다는 영적 개념을 표현하고자 했습니다. 그의 작품에서 균형 잡힌 비대칭을 조성하기 위해 신중하게 배치된 수평 및 수직 요소는 자연계에서 동적인 평형을 유지하는 상반되는 힘을 나타냅니다. 몬드리안은 다이아몬드형 구성이 절단과 관련된다고 말했는데, 실제로 이 회화에서는 불필요한 부분을 화면에서 절단하는 크로핑 느낌이 강조되었습니다. 캔버스의 가장자리에 의해 절단되어 불완전한 형태는 회화의 실제 경계 너머로 그 절단된 형태가 연장됨을 암시합니다.

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  • Stop  20 
    Jean Dubuffet  painter
    French, 1901 - 1985
    Façades d'immeubles (Building Façades) 

    2 세계대전 회화가 처음부터 다시 시작되어야한다고 생각하던 뒤뷔페(Jean Dubuffet) 미술 교육을 받지 않은 미술, 특히 어린이 또는 독학 미술가들로부터 영감을 얻어, 작품을 수집하고 이를 아르 브뤼(art brut), , 다듬지 않은 미술 또는 그대로의 미술이라고 지칭했습니다. 건물 정면(Façades d’immeubles)에서, 뒤뷔페는 자신만의 아르 브뤼 보여 주었습니다. 뒤뷔페는 미술 시간에 배웠던 기법인 착색된 바탕에 흑색 물감을 칠한 긁어 내는 기법을 사용하여 어린이의 눈으로 파리의 거리 풍경을 자세히 묘사했습니다. 그러나 신중하게 구성된 격자 구도와 인상적인 유화 벽의 전면(allover) 구조는 뒤뷔페가 모더니즘 미학에 대해 알고 있었음을 입증합니다.

     

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  • Stop  22 
    Jackson Pollock  artist
    American, 1912 - 1956
    Number 1, 1950 (Lavender Mist) 

    잭슨 폴록(Jackson Pollock)의 드립 회화 대작은 1948년 발표 당시 반응은 엇갈렸습니다. 이 회화를 제작하기 위해, 폴록은 화실로 쓰던 헛간 바닥에 대형 캔버스를 펼쳤는데, 그 공간을 거의 덮었습니다. 캔버스 주위를 걸어 다니면서 가정용 페인트, 유화, 에나멜, 알루미늄 페인트를 사용하여 만든 물감을 브러시와 스틱에 묻혀 드립하고 붓고 뿌렸습니다. 그는 이렇게 창작 과정에서 매개체 역할을 수행하면서 자신의 작품 안에 존재하는 방식이라고 말했습니다. 그는 캔버스 상단 왼쪽 모서리와 상단의 손자국으로 회화에 “사인”을 했습니다.

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  • Stop  10 
    Ellsworth Kelly  painter
    American, 1923 - 2015
    Tiger 

    호랑이의 색상은 파리의 문구점에서 판매하고 프랑스의 초등학교에서 사용되는 유색 검드 페이퍼로 엘스워스 켈리(Ellsworth Kelly)가 만든 습작 콜라주에서 유래했습니다. 켈리는 이 소재를 통해 오브제 트루베(발견된 오브제)에 특히 관심을 나타냈으며, 이는 그의 시각적 세계를 이해하는 핵심입니다. 켈리는 자연 또는 도시 환경의 부정적인 공간에서 추상 형태와 윤곽을 발견했습니다. 이 회화를 그린 기간 동안 켈리는 많은 시간을 들여 유럽의 미술과 건축을 살펴보았습니다. 이 때 그가 관찰한 기하학적 구조에서 호랑이 제작을 위한 간접적인 원자료를 얻었을 것으로 추정됩니다.

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  • Stop  21 
    Arshile Gorky  artist
    American, born Armenia, c. 1902 - 1948
    One Year the Milkweed 

    1944년 아실 고르키(Arshile Gorky)가 제작한 소위 컬러 베일 페인팅 중 한 점인 원 이어 더 밀크위드(One Year the Milkweed)에서 유화 막은 캔버스 전체에 고르지 않게 흘러내렸으며, 무언가를 연상시키지만 흐릿한 형태들이 붓으로 묘사되었습니다. 그림의 전체적인 녹색과 갈색 색조는 풍경을 암시하지만, 풍경임을 확인할 수 있는 형태와 공간의 원근은 없습니다. 대신, 수직으로 떨어지는 드립과 빛과 깊은 색조가 번갈아 표현됨으로써 전체 회화 표면에 동적이고 빛이 반짝이는 효과가 일어납니다.

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  • Stop  25 
    Roy Lichtenstein  artist
    American, 1923 - 1997
    Look Mickey 

    로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein)이 대중 문화에 등장하는 장면과 양식을 번안한 최초의 작품이 미키, 이것 좀 봐(Look Mickey)일 수 있으며, 이 작품은 1960년 시판된 어린이 만화책 도널드 덕: 분실물 보관소(Donald Duck: Lost and Found)를 번안하였습니다. 리히텐슈타인은 절묘하게 원본 만화의 배경 인물을 생략하고 시점을 90도 회전시키고 색상을 노란색과 파란색 띠로 구성하고 캐릭터의 특징을 단순화하여 보다 통일된 이미지로 바꿨습니다. 양식적으로, 리히텐슈타인은 인쇄 매체, 즉 짙은 검은 색 외곽선, 원색, 당시 저렴한 만화책과 잡지를 제작하는 데 사용되었고 이 작품에서 도널드의 눈과 미키의 얼굴에서 사용된 벤데이 인쇄 공정의 잉크 점 등을 모방했습니다.

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  • Stop  27 
    Eva Hesse  sculptor
    American, born Germany, 1936 - 1970
    Test Piece for "Contingent" 

    에바 헤세(Eva Hesse)는 전통적으로 아름다운 조각으로 간주하는 것을 제작하고 싶지 않았습니다. 그녀는 금속이나 석재와 같은 조각에 사용되는 전통 소재를 거부하고 대신 섬유, 석고, 라텍스 등 더 유연한 소재를 선호하며, 이 습작에서는 라텍스를 사용했습니다. 이 작품은 불확정 최종 작품에 대한 여러 습작 중 하나였으며, 8장의 유사한 배너로 구성되어 있으며 현재 호주 국립미술관(National Gallery of Australia)에서 전시 중입니다. 헤세는 이 작품을 “회화도 아니고, 조각도 아니고.... 실제로 걸려있는 회화예요”라고 묘사했습니다.

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  • Stop  29 
    Barnett Newman  artist
    American, 1905 - 1970
    First Station 

    추상 표현주의 운동의 대표적 작가 중 한 명인 바네트 뉴만(Barnett Newman)은 회화, 조각, 문학 분야에서 생각을 펼친 지식인이었습니다. 1940년대 중반 그는 캔버스의 단색 필드에 특징적인 수직 요소 또는 "지퍼"를 그려넣은 작품을 처음으로 선보였습니다. 이 회화는 뉴만이 십자가의 길(The Stations of the Cross)이라고 명명하게 되는 회화 14 연작 중 첫 번째 작품입니다. 15번째 회화 Be II는 종결부입니다. 십자가의 길은 제2차 세계대전과 홀로코스트 이후 예술가들이 직면한 “도덕적 위기”를 표현하려는 뉴만의 가장 야심찬 시도였습니다. 그는 묻습니다. "우리는 무엇을 그려야 합니까?"

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  • Stop  32 
    Jasper Johns
    Target

    재스퍼 존스(Jasper Johns)는 추상 표현주의자들의 “개인적인 표현이 강렬한 제스처 회화”의 뒤를 이어 1950년대에 주목할 미술작가로 등장했습니다.  존스는 쿨하고, 외견 상 무심하고, 종종 불가사의한 방식으로 알아보기 쉬운 물체를 묘사한 것으로 유명했습니다. 존스는 거의 항상 자신의 작품의 원 소재를 기존 이미지나 “생각 속에 이미 익숙한 것”에서 선택했습니다. 초기 작품에서 그는 상업용 스텐실, 표적, 미국 국기 및 미국 지도에서 따온 숫자 또는 형체와 같이 널리 알려진 모티프를 선택했습니다. 이와 같은 작품에서 표현된 도드라진 표면 질감은 존스가 회화와 조각 사이의 밀접한 관계를 인식하고 있음을 입증합니다.

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  • Stop  33 
    Helen Frankenthaler
    Mountains and Sea

    산과 바다(Mountains and Sea)는 헬렌 프랑켄탈러(Helen Frankenthaler)가 스테인 기법으로 제작한 작품의 완벽한 예입니다. 스테인 기법은 밑칠을 하지 않은 캔버스에 묽게 희석한 물감을 부어 제작하는 과정을 의미합니다. 이 기법은 공간에 부유하는 투명한 색상의 필드를 조성하여 캔버스의 직조와 함께 이미지의 평면성을 강조합니다. 그녀가 색상과 형태를 배열한 방식은 자연 환경을 연상시킬 때가 많고 각 작품은 고유의 시각적 공간과 대기의 존재를 표현합니다..

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