博物馆东馆参观指南

NARRATOR:

人类的眼睛如何感知我们周围的世界？这是乔治·布拉克 (Georges Braque) 和巴布洛·毕加索 (Pablo Picasso) 二十世纪初期在立体主义上探索的问题之一。任何描画立体空间幻觉的尝试均已烟消云散。相反，立体派画家通常将物体压扁并且抽离出来，从各种视觉角度展现它们。

哈里·库珀 (Harry Cooper)，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

这肯定是一张真正的桌子，我们似乎能直接看到桌子的底部，略高于抽屉；我们无法窥探到里面。然而，我们也像是几乎从上方看着桌面。

每当我看着这幅画，都感觉那把刀就像突然出现一样。它似乎正漂浮在空间中，有点像放在桌子的边缘。它似乎已经在 [laughs] 图像的其他地方完成了一些工作。图像当中有许多东西被切割成一片片。这里能看到画家对绘画程序的一种俏皮的自我审视，也就是按立体主义的做法，把现实剪切成一片一片，把它翻转过来，然后以从未见过的方式重新拼接起来。

NARRATOR:

如果这幅作品让您觉得看起来像拼贴画，这绝非意外。布拉克和毕加索都尝试过将纸片粘贴到画布上以创作出所谓的立体派粘贴画。

HARRY COOPER:

但他们很快就舍弃粘贴画，并且转而发展成看起来像拼贴画的绘画。画面的某些部分经过精心绘画，会让我们误以为自己正在看着实际的木材花纹或水果的剪贴描绘。所以这里有种机巧运用在里面，而我认为这是关于立体主义的另一个重要方面，对现实的多层面和表现的多层面的机巧运用。

NARRATOR:

许多二十世纪初期的西方艺术家吸收利用古代或非西方艺术，以期找到看待和思考具象艺术和抽象艺术的全新方式。对于阿梅代奥·莫迪利亚尼 (Amadeo Modgliani) 等住在巴黎的艺术家来说，他们的灵感来源之一是巴黎的人种学博物馆：特罗卡迪罗博物馆，这个博物馆展出来自世界各地的丰富藏品。

金柏莉·A·琼斯 (Kimberly A. Jones)，法国绘画副策展人。

KIM JONES:

现在我们看到这座人物像，具有非常明显的非洲雕塑的风格，也有古代希腊雕塑的特色，具有细长的外形，面部有连续曲线，细长的几何状鼻子；极其抽象，同时又显得强而有力。它们几乎像是图腾图像。充满活力和力量。

NARRATOR:

为了创作这件作品，莫迪利亚尼使用了建造巴黎地铁系统时废弃的石灰岩块。

哈里·库珀 (Harry Cooper)，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

鼻子从眉毛那里延伸下来并一直延伸到嘴巴的方式。一切都在于垂直和分割。雕刻锐利，让我们开始感觉真实的光与影形成的鲜明对比。

KIM JONES:

当您看着这座雕塑，您想起蒙娜丽莎完全不会过分。它具有同样的宁静感、同样深不可测的魅力。这件艺术作品有种暗示的内在生命，但从未充分体现出来。它确实吸引着我们欣赏它，想知道这位女人正在想什么，有什么感受。

NARRATOR:

在本美术馆中，您置身于莫迪利亚尼画作的环绕中，您会看到，它们拥有许多相同的特点。

NARRATOR:

时间是 1911 年，地点在纽约市，当时是现代性的中心。乔治·贝洛斯 (George Bellows) 敢于把它放在这幅动感十足的油画上。

CHARLES BROCK:

这幅画让我喜爱的地方是它的勃勃野心。有非常年轻的艺术家愿意尝试任何事情。

NARRATOR:

查尔斯·布洛克 (Charles Brock)。

CHARLES BROCK:

愿意尝试将整个纽约市放入一幅画中的如此大胆的主题。

NARRATOR:

在这幅画中，贝洛斯展现出这座城市的位于麦迪逊大街与第 23 街之间最繁忙的商业区。

CHARLES BROCK:

后方远处有一辆在高架铁轨上行驶的火车和高楼大厦。您可以看见马车与汽车和往来行人交织的混合交通。这种绘画对当代观赏者来说就像主题本身一样令人困惑。

NARRATOR:

甚至难以知道要看哪里：左侧远处正在上客的有轨电车、店面招牌，还是街道上熙来攘往的无名行人。在一片灰色和绿色中，贝洛斯只用红色点缀出少许细节。评论家认为这幅作品杂乱无章，晦涩难懂。

CHARLES BROCK:

但是他们都被这幅油画及其展现的活力和贝洛斯尝试描绘这座城市所运用的全新手法深深吸引。其中一位作家在批评这幅画后说道：“未来有一天，它无疑会被指出是现在记者留下来的对纽约随意场景的最佳描述。”

SARAH CASH:

它的构图真的非常简单。有天空、海洋、帆船、人物和钟型浮标。

NARRATOR:

但这幅油画可能并非我们一开始看到它时所设想的那么平静、温和及美丽。莎拉·卡什 (Sarah Cash)，美国和英国绘画副策展人。

SARAH CASH:

例如，帆船上的人物似乎彼此毫无瓜葛。对彼此漠不关心。每位船员都盯着钟型浮标看，表明他们非常担心，钟浮型标可能[04:48]给他们带来某种危险的感觉。在我们看来，蔚蓝天空中柔软如羽毛的白云美丽迷人，平静祥和，令人愉悦，但事实上，它们经常预示着风暴即将来临或天气瞬息万变。

NARRATOR:

翻滚的波涛亦是如此——这幅画作的名称就是“惊涛骇浪”。这里有什么隐藏的含义吗？霍珀 (Hopper) 在 1939 年创作这幅作品，是年飓风席卷新英格兰，所到之处满目疮痍，死伤无数——但这并非全部。

SARAH CASH:

从 1939 年 8 月到 1939 年 9 月 15 日期间，霍珀创作了油画《惊涛骇浪》(Ground Swell)，恰恰是第二次世界大战的消息播出的时候。所以画面中的钟型浮标在这幅油画中具有双重含义是完全有可能的。它可能让我们想起危险的天气，但或许它至少以微妙的方式象征着第二次世界大战的到来。

NARRATOR:

在这幅油画的中心位置，威武的、展开双翅的天使加百列跨站在大地和大海上。加百列由上帝派遣去召集生者和死者接受审判，他一手拿着天堂的钥匙，一手拿着号角。随着号角吹响，在光线和闪电的衬托下显出轮廓的人物起来响应号角的呼召。

NANCY ANDERSON:

阿伦·道格拉斯 (Aaron Douglas) 研究非洲艺术和欧洲现代主义，然后结合他在二者当中看到的元素，创作出非写实图像，体现非裔美国人在美国的经历。这幅画显而易见的是平面形状、加百列的眼睛、波浪、同心圆和从上面照射下来的光柱，所有这一切都体现装饰艺术风格和碎片化的立体主义风格。

NARRATOR:

这幅画是受到了《上帝的长号：七名黑人布道诗》(God’s Trombones: Seven Negro Sermons in Verse) 一书中的插图启发，这是詹姆斯·威尔顿·约翰逊 (James Weldon Johnson) 所写的诗集，歌颂非裔美国人民间布道的激情和艺术性。通过这幅作品，道格拉斯重新诠释圣经叙事，创作出像《上帝的长号》中歌颂的布道一样具有超凡魅力的图像。

南希·安德森 (Nancy Anderson)，美国和英国绘画策展人和负责人。

NANCY ANDERSON:

詹姆斯·威尔顿·约翰逊是一名学者，也是纽约哈林区文艺复兴的关键人物之一。哈林区文艺复兴是一场文化运动，从二十世纪二十年代初期一直延续到大萧条时期。这次运动发生在第一次世界大战后，旨在为非裔美国人建立全新的文化形象和社区。

NARRATOR:

包括作家和活动家 W·E·B·杜波依斯 (W.E.B DuBois) 在内的哈林区文艺复兴的其他主要人物支持道格拉斯的艺术号召，杜波依斯将其图像描述为大胆无畏，“突破陈规”和“具有狂野之美”。

NARRATOR:

从 1904 年年底到 1906 年年初，巴布洛·毕加索的画中一个反复出现的主题就是杂技演员，也就是巡回演出的马戏团杂耍人或杂技员。现代艺术策展人和负责人哈里·库珀表示，毕加索与主题产生共鸣，以至于把自己放入画中。

HARRY COOPER:

左边是一幅自画像，一位高高的年轻人站在那里。许多前卫的艺术家对这样的团体具有认同感，他们是社会的边缘人，生活在巴黎市郊，却随着巴黎不断开发扩张而被节节逼退，所以风景本身反映了他们居无定所的现况。

NARRATOR:

油画名称表明这群表演者是一家人。但他们彼此之间显得毫不关心。

HARRY COOPER:

人人双眼阴影重重。他们的眼神看着不同的方向。每个人的脸庞都是面无表情。但我认为具有叙事性的是他们的动作，他们彼此身体之间几乎毫无联系。他们的手脚几乎比传统讲述故事的方式更为重要。

NARRATOR:

毕加索多次重画这个作品，加入人物和更改构图。在整幅画中，他的绘画风格变化极大。

HARRY COOPER:

背景最有表现力，尤其是天空，是这幅画中最抽象的部分。画家以轻描淡写的方式完成了这个部分，至少在呈现在我们眼前的这一层上色是这样的。有其他节段颜料比较厚重，明显重新画过。画中无任何连贯统一的手法，这是令这幅画如此有趣和激进的地方之一。

HARRY COOPER:

关于色彩，马蒂斯曾说过这件事：“当我用绿色，不是画青草。当我用蓝色，不是画天空。”

NARRATOR:

这里您会看到他说的意思：粉色的波浪、橘色的船桅和五彩缤纷的天空。

哈里·库珀，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

这幅小小的画作确实产生巨大的影响。我们经常看见它出现在海报和日历上，已经习以为常。但在当时，即使对于习惯印象主义的观赏者来说，这幅画的影响更为深远。

我认为位于中心位置的船舶，只用四笔厚重的颜料画成，一笔泛白的粉红色、一笔蓝色、一笔是接近粉橘色的笔触，和一笔深绿色：体现许多发明创造，超过马蒂斯可能在这里看到的东西。

NARRATOR:

这幅画作标志着马蒂斯的艺术生涯的里程碑。1905 年他在秋季沙龙上展出这幅作品，在那里，一位评论家对他及其几位同行表示否定，称他们为“一群野兽”，将他们的作品称为“纯色调的恣意横行”。但这名称就这样留了下来，以马蒂斯为首的这个松散的联盟团体开展一场成为二十世纪初期的首个法国前卫运动。

HARRY COOPER:

中间部分可爱迷人又动感十足。但它周围是怎样的呢？有框架，像是墙壁、窗户等；他从那里偏离印象主义，那种到处使用点点笔触，形成一种抒情韵律的画法。然后他开始使用大面积的色彩并让它们彼此制衡。我想我们就是在那里看到未来的马蒂斯。

HARRY COOPER:

两个女人出门闲逛……但她们在做什么？[laughs]她们为什么裸露着身体？

NARRATOR:

恩斯特·路德维格·基尔希纳 (Ernst Ludwig Kirchner) 描绘这些女人的肖像画是被称为德国表现主义的风格的典范，这种风格是由基尔希纳在二十世纪初期与另外几位艺术家共同创立的。这些艺术家在他们的画布上使用大开大阖的笔触，并以高调的色彩描绘通常扭曲变形的人物。基尔希纳和他的艺术圈子诞生在一个正在急速变化的世界中：工业化、战争的威胁和种种社会弊病。他们深受德累斯顿和柏林等城市吸引，但也拥抱原始文化和回归自然。

现代艺术策展人和负责人哈里·库珀引用基尔希纳对这种全新手法所发表的见解。

HARRY COOPER:

基尔希纳说：“我们肩负着未来，希望为我们自己创造生活和行动自由，抵抗长久以来的陈旧力量。每位传达这点并以此作为创作驱动力量的率直、真实的人跟我们都是同声一气的同志。”我想这句引言的关键词是：自由。我们确实看到这幅画试图打破规则和常规，采用看似礼貌的主题，然后剥去它的外衣——从字面上说是剥去人物的衣服，让她们赤身裸体地展示在覆盖着强烈色彩和纹理的风景中。

NARRATOR:

如果您仔细看，您会看到右边的这位女人戴着帽子，体现旧式生活的遗风。

HARRY COOPER:

所以看起来她们在某种程度上是存在于两种文化的夹缝中。这种不按照现有的诸多规范生活的表现或许是一种欧洲式的幻想。

HARRY COOPER:

这是艺术史上第一批我们能够称为“抽象”或接近抽象的绘画之一。康定斯基的伟大成就是成为第一批承担这种风险的画家之一。

NARRATOR:

俄罗斯艺术家瓦西里·康定斯基 (Wassily Kandinsky) 创作这幅油画，作为较大系列的一部分。

现代艺术策展人和负责人哈里·库珀解释它的名称。

HARRY COOPER:

其实它有两个名称。副标题《海战》(Sea Battle) 为我们提供了关于这幅画的线索。我们眼前所见的是一幅海面上的光景，一场海战：船桅、大炮和爆炸。但主标题《即兴创作 31》(Improvisation 31) 则更为重要，因为它蕴含着抽象艺术的意味。

NARRATOR:

从圣经意象到俄罗斯民间传说，康定斯基从诸多来源找到灵感。音乐是另一个灵感来源，这点在这里得到充分体现。

HARRY COOPER:

音乐非常直接，我们与音乐之间毫无阻隔。它在某种程度上直达我们的大脑。这些希望打破规则和突破这些具有数百年历史的绘画技法和常规的画家可以借重音乐，在音乐的启发下几乎可以闭着眼睛作画。许多不同的颜色和各种不同的标记交织在一起。从这些旋涡和扭曲的线条到这些斑块，再到这些看上去具有探索意味的线条。我们在画布上看到什么样的音乐？[laughs]或许这就是我们要问的问题。对我来说，它是美妙的交响乐。

HARRY COOPER:

这是贾科梅蒂 (Giacometti) 的伟大作品之一。这件作品的不同寻常之处在于它是平的；它是我们俯视着的东西。它不放在通常的雕塑空间。它看起来更像是一块游戏板。

NARRATOR:

哈里·库珀 (Harry Cooper)，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

同样合适的名称可能是“我们来玩吧”，因为这幅作品由许多可移动的元素构成。然而，实际的名称是《别再玩了》(No More Play)，这让它蒙上一层晦暗的意味。我认为我们看到这些孔眼、这些盖子和棺材。人物像小小的纪念碑一样树立着，从这块大理石板上浮现出来。最明显的是这件作品暗示着死亡、某种东西的终结、游戏的结束。

NARRATOR:

请您也看看相邻的这幅作品，同样出自贾科梅蒂之手，名称是《隐形物体：握着虚空的双手》(The Invisible Object: Hands Holding the Void)。它体现同样的不安感和禁闭感……一般认为艺术家创作这个作品时想到了刚过世的父亲以及埃及殡葬艺术等多种元素。

HARRY COOPER:

我们并不真正地知道游戏板上正在发生什么样的互动，我们也不知道这个人物在做什么，这个双手握着虚空，什么也没有的直立的人物。它有点像是外星人，似乎正在尝试着从另外一个世界向我们传达某种信息。或许这样思考这两座非常神秘的雕塑并非坏事。

NARRATOR:

您在这里看到的结构通常称为落地窗。但您仔细地看看底部左侧，您会在那里看到这幅作品的名称《新寡妇》(Fresh Widow)。这可不是错别字哦！

现在艺术策展人和负责人哈里·库珀说明马塞尔·杜尚 (Marcel Duchamp) 的文字游戏。

HARRY COOPER:

这幅作品于 1920 年创作而成，当时是第一次世界大战过后不久，所以毋庸置疑的是，杜尚是指战争造成的寡妇。窗户被遮得密不透光的事实可能是指战争期间必须实行的灯火管制，但也有可能指的是寡妇穿着的丧服的颜色。

NARRATOR:

杜尚以其采用“现成品”创作的作品著称，经常拿着找到的物品化作为艺术性的呈现。他还喜欢制作物品的奇怪的小复制品，正如他在这件作品上的做法。他认为艺术是体验而非制作出来的东西。马塞尔·杜尚：

ARCHIVAL, MARCEL DUCHAMP:

总而言之，创造性活动并非由艺术家单独进行；参观者通过对作品的内在属性进行解读和诠释，让作品与外部世界接触，这也就是参观者对创造性活动的贡献。

NARRATOR:

即使在给这幅作品署名时，杜尚也在创造体验。露丝·瑟拉维 (Rose Selavy) 是谁？

HARRY COOPER:

那是他取的化名。露丝·瑟拉维的法语发音听起来很像“这就是生活”(c’est la vie) 的发音。这就是生活。“Rose” 听起来也像“性爱”的英文单词 “eros”，E-R-O-S，所以，在某种程度上，他为自己取的笔名可以翻译为“情色就是生活”。我们还知道这是他的女性化身，他经常在照相的时候打扮成一位带着帽子和化着妆的优雅女士。所以他不仅玩转[笑声]艺术的定义和艺术家的身份，他还玩转性别。

NARRATOR:

看看附近的作品：《行李箱中的盒子》(Boite-en-Valise)。这件作品是杜尚创作的便携式小型杜尚博物馆。您看见《新寡妇》了吗？

NARRATOR:

Maiastra 是罗马尼亚民俗传统中一种具有神奇力量的超自然鸟类，它是这件由康斯坦丁·布朗库西 (Constantin Brancusi) 创作的作品和附近他的其他雕塑的灵感来源。但是我们在这里看不到任何羽毛、爪子和喙。《空间中的鸟》(Bird In Space) 是对飞行本身的研究或幻觉。

哈里·库珀 (Harry Cooper)，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

青铜制的形体缓慢地升高，弯曲，逐渐变尖细一次，再次膨胀，再次逐渐变尖细并略成斜角，顶部有锐利的饰面。它似乎不会结束。它似乎可能会继续。它只是继续逐渐变尖细。

NARRATOR:

二十余年来，布朗库西创作多件关于这个主题的作品，有些采用大理石，有些采用高抛光青铜，比如这件。青铜的闪闪发光的表面使雕塑几乎消失，因为你发现自己看着自己和周围房间的映像。

对布朗库西来说，雕塑的底座同样重要。

HARRY COOPER:

雕塑止在哪里？它不仅有一个基座而是两个，这是布朗库西制作的非常重要的东西：比如底座、台座、基座，它们是一种实用的东西，像画框一样的东西，布朗库西把它们作为雕塑的一部分。雕塑与底座之间的界限模糊不清。

HARRY COOPER:

这是一位蒙德里安风格派画家。[laughs]我们说“一位蒙德里安风格派画家”是因为他是形成这种风格的多位艺术家之一。他是在荷兰掀起的称为“风格派”运动的一份子，这种风格对如何创作抽象艺术有几条非常具体的规则。

NARRATOR:

规则？只有水平线和垂直线。无对称性。采用原色，以及白色、黑色和灰色。

哈里·库珀 (Harry Cooper)，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

颜色通常放在边缘并彼此分离，几乎就像他不希望我们感受到颜色的相互作用似的。让它们保持纯洁。纯洁肯定是这种审美的重要组成部分。我认为，关于蒙德里安要说的最简单和最重要的事情是，他希望每种绘画元素都有自己的生命、自己的自治权和自己的生存能力。

NARRATOR:

在这幅画上，他旋转画布 45 度，但保持严格的水平和垂直架构，他认为这种架构在本质上是必不可少的结构。

HARRY COOPER:

这呈现出一项真正的挑战，因为画面上的一切迟早都会沿着边缘剪切；甚至有可能是更早而不是更晚。所以对他来说非常稳定和舒适的结构确实受到这些边缘的威胁。我认为我们开始感到丰富的动态性。蒙德里安喜欢谈论动态平衡。

看起来简单，但结构的复杂性超乎我们的想象。我会向任何人发起挑战，让他看着这幅作品可能十分钟，然后把脸转过去并画出来。画出基本结构。并非易事。

NARRATOR:

为了创作这幅画，让·杜布菲 (Jean Dubuffet) 采用您可能在小学试过的基本技法。他在画布上运用多层颜料，然后用黑色颜料覆盖，然后刮掉颜料层，创作出这种景象。

现代艺术策展人和负责人哈里·库珀描述这位艺术家的方法。

HARRY COOPER:

他非常有兴趣抛弃美术学院的所有技巧，以似乎他不知道任何东西的方式重新开始。第二次世界大战后，他有种感觉，觉得他们不能只是继续做曾经做过的事情，当时许多欧洲人也持有同样的想法。他们必须尝试选择更加基本和更加直接的东西。旧的技法不可行。旧的方法在政治上不奏效，在艺术上也行不通。我们在这里看到的结果真的看起来像非常直接，几乎没有经过训练的爆发式绘画。我想这就是他要的效果。

NARRATOR:

杜布菲着迷于未经过训练的人创作的艺术，尤其是儿童和精神病患者——他把这种类型称为“原生艺术”。在这幅画上，他描述平面和混乱的风景，正如儿童可能创作出的作品，毫无三维空间感。但这部作品让人误以为很简单。请注意他如何使用颜色以及一丝不苟和机智诙谐的细节赋予场景生气。

HARRY COOPER:

我认为这种颜色吸引着我们。它让我们有受到欢迎的感觉，它让这幅画更好玩和更有趣。但在有些非常精细的描画中——如果您看着栏杆、扶手和砖工——他有时候会大刀阔斧地削切和涂抹。但有时候刮痕非常细腻和引人入胜。

NARRATOR:

作为不知疲倦的创新者，杜布菲试验种类繁多的手段和技法。您在这里看到的涂鸦风格技法以及他总的艺术创作方法影响了二十世纪晚期的一代艺术家，包括让·米歇尔·巴斯奎特 (Jean-Michel Basquiat)。

HARRY COOPER:

波洛克 (Pollock) 说：“我在地板上感觉更加自在。我感觉更加靠近[34:15]绘画的更多部分，因为通过这种方式，我能够绕着它走，从四面进行绘画，简直就是置身于画中。”

NARRATOR:

杰克逊·波洛克 (Jackson Pollock) 开始创作这幅巨型油画时，把画布平铺在他位于长岛东端的谷仓改建的工作室的地板上。

哈里·库珀 (Harry Cooper)，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

他使用画笔——不是笔尖，而是画笔的另一端——将颜料从颜料罐中引导出来，而他就像绕着画布起舞，有时候走进画布中，倾倒、滴落、点点滴滴地落下和抛洒颜料，有时动作真的很大。我们看到有一些大动作是以黑色表现出来，达到画布的整个高度。有种一切都打成碎末的感觉。

NARRATOR:

虽然这看上去是自发行为，有种任何人乃至儿童都能创作出这样的画作的感觉，但波洛克自己宣称：“我能够控制颜料的流动，任何效果都不是意外形成的。”波洛克的创作过程一开始令公众感到震惊。但他非常快速地获得主要艺术评论家的青睐。有人称他的风格为“行动绘画”，将画布称作行动的场所、舞台之类的地方。另一位画家克莱门特·格林伯格 (Clement Greenberg) 给这一系列画取名叫“淡紫色的雾”；他从复杂混乱的颜料中看见略带紫色的气氛。

HARRY COOPER:

至于我们能够如何欣赏这幅绘画，可能性实在是太多了。我们可以采取肢体运动，想想行动和动作。或者我们可以让视线跟随着画作，而且或许我们会忘记它是在地板上画成的。毕竟，我们有机会欣赏它时，它是挂在博物馆墙上，正如我们欣赏任何其他绘画一样。它是那种您能够花很长时间细细欣赏的绘画。它让人感觉无穷无尽。

HARRY COOPER:

“《看，米老鼠》(Look Mickey)”。[laughs]这是一部惊世骇俗之作。是一幅令人震惊的画作。

NARRATOR：

当罗伊·利希滕斯坦 (Roy Lichtenstein) 在 1961 年首次展出这幅画时，有些人质疑他是否是美国最糟糕的艺术家。这幅图像的来源是一本关于两个迪士尼卡通人物的童书。以前从未有人这么做过：如此明目张胆地将流行文化偶像升华到“艺术”的层次。

HARRY COOPER:

它看起来有点像打印，有点像廉价复制。

NARRATOR:

利希滕斯坦在这里发展自己的标志性技巧。您注意到唐老鸭的眼睛和米老鼠的面部上的小点了吗？哈里·库珀 (Harry Cooper)，现代艺术策展人和负责人。

HARRY COOPER:

这些是利希滕斯坦对模仿廉价商业色彩复制的色彩加深圆点的尝试。如果您仔细看看报纸上或漫画页面上的图像，您会看到各种色彩和黑白色调都通过这个圆点系统创造。

NARRATOR:

罗伊·利希滕斯坦解释为什么这点对他很重要。

ARCHIVAL, ROY LICHTENSTEIN:

我感兴趣的是检查打印过程和事物复制和散播的方式，而圆点的使用是打印东西的最常见方式之一。简单——放大这些圆点是让您看它看得更清楚的一种方式。

HARRY COOPER:

我们知道他使用由硬猪鬃制成的狗毛整饰用刷，将其浸入颜料中，然后运用到这些区域上形成圆点。他然后继续开发出更好的画出圆点的方式。但这确实是圆点开始的地方。而且从很多方面看，也就是在这里利希滕斯坦开始创立我们所知的波普艺术。

NARRATOR:

伊娃·海瑟 (Eva Hesse) 用工业材料做实验，将它们进行冲压，用于制作当代雕塑。这是专为名称为《偶然》(Contingent) 的作品系列创作的试验作品，该系列由八个独立的粗棉布面板构成，粗棉布刷上乳胶，然后浸入玻璃纤维中。最后一道工序令作品易碎又难以修复，引发一场关于如何解决它们的易碎性的对话。

莫莉·多诺万 (Molly Donovan)，现代艺术副策展人。

MOLLY DONOVAN:

通过这件作品，海瑟真正打破传统上对绘画和雕塑的定义以及这两者之间的樊篱，因为她将二者完美地结合了起来。她的创作是融合二者的混合体。

MOLLY DONOVAN:

她的作品存在许多条件问题。从哲学上和策展理念上来说，当艺术作品采用会剝蝕的材料制成时，应该采取哪些措施？策展人和保护者团队达成的一致意见是什么也不做。如此，作品将被得以存在于它自己的时间中，拥有其本身的生命历程。这件作品尤其如此，因为这位艺术家已经过世，所以她无法重新制作这件作品，她也无法修复它。

NARRATOR:

这位犹太德裔美国画家死于脑瘤，享年 34 岁。

MOLLY DONOVAN:

对我来说，《“偶然”系列的试验作品》是一件令人难忘的美丽作品，而且考虑到海瑟自己英年早逝的短暂人生，它尤其如此。

NARRATOR:

巴尼特·纽曼 (Barnett Newman) 以纪念耶稣基督在世最后一天的 14 站宗教仪式将这个系列命名为《拜苦路》(The Stations of the Cross)。

MOLLY DONOVAN:

……而且他加上副标题《Lema Sabachthani》，这是耶稣从十字架上发出的呼叫的亚拉姆语词语，意思是：“您为什么舍弃我？”

NARRATOR:

然而，他借用这个名称和想法是出于不同的目的。

莫莉·多诺万 (Molly Donovan)，现代艺术副策展人。

MOLLY DONOVAN:

纽曼是犹太人，他的作品并不是以任何方式、形状或形式描绘这个基督教意象。他只是利用这个标题唤起对人性的集体同情关心。这是一种更广泛、更普遍的关怀。

NARRATOR:

与此相似的是，当您逐步参观整个空间时，应如何以整体和个别瞬间体验拜苦路上的各个站点。让我们走到《第一站》(First Station)，我们会在那里详细地了解纽曼的技法。

MOLLY DONOVAN:

这幅画的右边是纽曼所谓的标志性“拉链”之一。为了创作出这种形式，他将一条胶带向下贴在未经加工的画布的垂直面上，然后在这条胶带上逐层加色。当达到他满意的效果时，他会取下胶带，呈现在眼前的就是这种负空间。在描述这种图形时，纽曼在 1966 年说道：“我认为我的‘拉链’并未分离我的画作。我觉得它达到完全相反的效果。”所以，纽曼想告诉我们的是，“拉链”并未使画布上的元素分离；它实际上将它们编织在一起。

NARRATOR:

我们鼓励您花些时间参观本馆，静静地感受它的氛围，仔细地欣赏画作本身。

NARRATOR:

海伦·弗兰肯瑟勒 (Helen Frankenthaler) 于 1952 年访问位于大西洋海岸的加拿大新斯科舍省不列颠海角。在其著名海岸景观的启发下，她回家创作了这件作品。

莫莉·多诺万 (Molly Donovan)，现代艺术副策展人。

MOLLY DONOVAN:

我们现在观赏的作品肯定是抽象主义作品，但是让人想起风景的抽象主义。淡绿色的边缘向下延伸到蓝色色带，确实可以被理解为与海水相接的多岩石海岸线。整个构图中的蓝色色斑可以看作是大西洋猛烈地倾倒在风景画上。

NARRATOR:

弗兰肯瑟勒——当时年仅 23 岁——深受杰克逊·波洛克等艺术家及其抽象实验的影响。但她开辟自己的风格，将经过松节油稀释的油画颜料从咖啡罐中倾倒在铺在地板上未涂底漆的画布上。颜料完全渗透画布，形成一汪汪明亮的色彩。

关于她的画布，弗兰肯瑟勒曾经说到：“……作画过程就是决定哪里放着不动，哪里要填充，以及哪里可以说这不需要再画一条线或另一种淡的颜色。换言之，地面就是媒介的一部分。”

MOLLY DONOVAN:

在这件作品完成后不久，两个比较年轻的艺术家莫里斯·路易斯 (Morris Louis) 和肯尼斯·诺兰 (Kenneth Nolan) 拜访了弗兰肯瑟勒的工作室。莫里斯·路易斯后来说了被人引用的一句话，他说：这部作品是“连接波洛克与可能之事之间的桥梁”，意思是指弗兰肯瑟勒效仿波洛克在地板上绘画抽象作品，而她通过着色技法形成清新的风貌，丰富这种绘画语言。