Admission is always free Directions
Open today: 10:00 to 5:00

Visita guiada del Edificio Este

Use su teléfono inteligente para explorar una amplia selección de obras por medio de las voces de curadores de la National Gallery of Art. Siga su propio ritmo escuchando cuantas paradas desee, en el orden de su preferencia.

Para escuchar la información sobre una obra de arte, ingrese el número de la parada en la casilla a continuación, seleccione ‘ir’ y luego ‘comenzar’ al visualizar la parada. Por favor, respete a los otros visitantes, use auriculares para escuchar la audioguía.


  • image:
    Stop 1
    Alexander Calder artist
    American, 1898 - 1976
    Untitled 

    Este móvil monumental de Alexander Calder se mueve únicamente gracias a las corrientes de aire que atraviesan el atrio del Edificio Este. Dicho movimiento es posible debido a que el móvil se ha construido con aluminio en lugar de con acero soldado, que era el material que Calder solía elegir. El escultor consideró la instalación de un motor, pero el uso de materiales ligeros y avanzados hizo que esto no fuera necesario. Pese a que la envergadura de la escultura excede los 85 pies, la obra completa pesa tan sólo 920 libras, 2 toneladas menos que si se la hubiese construido en acero.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 4
    Georges Braque artist
    French, 1882 - 1963
    Still Life: Le Jour 

    Georges Braque es famoso por haber desarrollado con Pablo Picasso el nuevo estilo del cubismo en 1910. Esta pintura es típica de una etapa tardía en la carrera de Braque, cuando incorporó elementos del cubismo a las naturalezas muertas y otros temas. En esta obra, las vetas de la madera de la mesa, el diseño del papel de pared en el fondo y el texto del periódico ponen de relieve el juego entre dibujos y texturas.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 5
    Amedeo Modigliani artist
    Italian, 1884 - 1920
    Head of a Woman 

    Esta escultura refleja la distintiva estilización de las figuras característica de Amedeo Modigliani, ya que presenta los rasgos elongados y ojos almendrados que se aprecian en muchas de sus pinturas. Modigliani se dedicó a la escultura aproximadamente desde 1909 a 1914, antes de fallecer de tuberculosis a los 35 años en 1920.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 6
    George Bellows painter
    American, 1882 - 1925
    New York 

    Nueva York, completada en febrero de 1911, es una pintura ambiciosa y de gran tamaño en la que George Bellows capturó la esencia de la vida moderna en la Ciudad de Nueva York. Bellows no quiso representar un lugar específico ni identificable de la ciudad. En cambio, se inspiró en varios de sus bulliciosos distritos comerciales para crear una amalgama, una imagen imposiblemente repleta de gente, que transmitiera de la mejor manera posible el ritmo frenético de Nueva York.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 7
    Edward Hopper painter
    American, 1882 - 1967
    Ground Swell 

    El cielo azul, las figuras bañadas por el sol y la vasta extensión de agua ondulada de Mar de fondo otorgan un tono calmo a la imagen; sin embargo, algunos detalles de la pintura cuestionan esta sensación inicial de serenidad. La boya confronta al pequeño velero en medio de un paisaje marino vacío. Su propósito —hacer sonar una campana de alerta ante peligros inminentes o inadvertidos— hace que su presencia en la escena sea amenazante. Las nubes de tipo cirro en el cielo azul, que suelen presagiar la aproximación de una tormenta, refuerzan esta sensación perturbadora.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 8
    Georgia O'Keeffe painter
    American, 1887 - 1986
    Jack-in-the-Pulpit No. IV 

    En sus años de juventud, Georgia O'Keeffe sintió una fascinación particular por los aros. En 1930, ejecutó una serie de seis pinturas de la flor de esta planta tan común de Norteamérica en el lago George de Nueva York. Aro n.º IV presenta una vista ampliada del espádice, que posee un formato semejante a una lengua, sobre el interior cavernoso de color púrpura oscuro de la espata. El follaje verde y un atisbo de cielo con nubes se encuentran confinados a las esquinas superiores izquierda y derecha.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 9
    Aaron Douglas artist
    American, 1899 - 1979
    The Judgment Day 

    En 1927, James Weldon Johnson, una figura clave en el renacimiento de Harlem, publicó su obra maestra, Los trombones de Dios: Siete sermones negros en verso. Cada sermón-poema se encontraba acompañado por una ilustración de Aaron Douglas, un joven artista afroamericano recientemente asentado en Harlem. Varios años más tarde, Douglas comenzó a traducir sus ilustraciones en grandes pinturas al óleo. El día del Juicio Final es la última obra de una serie de ocho pinturas. En el centro, un poderoso ángel Gabriel se encuentra de pie a horcajadas entre la tierra y el mar. Con un sonido de trompeta, el arcángel convoca a los pueblos de la tierra a enfrentar su juicio.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 11
    Pablo Picasso artist
    Spanish, 1881 - 1973
    Family of Saltimbanques 

    Familia de saltimbanquis es la pintura más importante que Pablo Picasso creó en sus primeros años de carrera. Para él, estos saltimbanquis deambulantes (acróbatas, bailarines y bufones) representaban la melancolía de la abandonada clase de artistas marginales, una suerte de familia extendida con la que se identificaba. Como ellos, el español Picasso pasó penurias durante sus primeros años en París, mientras luchaba por ser reconocido. El arlequín melancólico —con el traje con rombos en el extremo izquierdo— lleva el rostro oscuro e intenso del propio joven artista.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 12
    André Derain artist
    French, 1880 - 1954
    Charing Cross Bridge, London 

    Esta obra fue pintada cuando André Derain visitó Londres y capturó temas semejantes a los que Claude Monet había pintado tan solo unos años antes. Sin embargo, la paleta cromática y la perspectiva utilizadas por Derain en estas escenas muestran un fuerte contraste con las del maestro impresionista. Con sus colores vibrantes y puros, esta pintura es típica del estilo fauvista (nombre tomado de la palabra francesa para denominar a las bestias salvajes), que Derain desarrolló junto con Henri Matisse.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 13
    Henri Matisse painter
    French, 1869 - 1954
    Open Window, Collioure 

    En la actualidad, la obra Ventana abierta, Collioure de Henri Matisse puede parecer agradable y lírica, pero originalmente sus pinceladas gruesas y colores intensos se juzgaron violentos. Esta obra pequeña pero explosiva, icono del modernismo temprano, se considera una de las pinturas más importantes de la escuela fauvista, un grupo de artistas que se centraron en liberar el color y la textura de las estrictas representaciones del aspecto natural. Ventana abierta, Collioure representa el inicio de este nuevo enfoque en el arte de Matisse.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 14
    Ernst Ludwig Kirchner painter
    German, 1880 - 1938
    Two Girls under an Umbrella 

    Esta es una de las obras tempranas de la prolífica carrera de Ernst Ludwig Kirchner y pertenece a una época en que el artista fue miembro fundador de un grupo expresionista llamado Die Brücke (El Puente) en Dresde en 1905. En esta pintura, Kirchner ha representado a dos muchachas desnudas en un entorno natural, en lugar de ubicarlas en el espacio restringido de un estudio académico. Esta obra es también un ejemplo del uso que el artista hacía de formas atrevidas, y a menudo toscas, así como de colores vibrantes.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 15
    Wassily Kandinsky artist
    Russian, 1866 - 1944
    Improvisation 31 (Sea Battle) 

    La pintura de Vasili Kandinsky guarda conexión con el mundo real, pero los detalles se han distorsionado y ajustado para representar un cierto estado de ánimo. Pese a que las formas amorfas y las coloridas aguadas de pintura podrían en principio parecer completamente abstractas, componen algunas imágenes reconocibles. El tema central de Improvisación 31 (Batalla naval) es un par de barcos a vela en pleno combate, con sus altos mástiles representados por delgadas líneas negras. Este tema, interpretado por Kandinsky en varias de las Improvisaciones, probablemente se inspirara en la imaginería apocalíptica del Libro de las Revelaciones.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 17
    Marcel Duchamp artist
    American, born France, 1887 - 1968
    Fresh Widow 

    Marcel Duchamp buscaba desafiar las suposiciones básicas que justificaban los enfoques tradicionales en pintura y escultura. Duchamp, fascinado por la idea estadounidense de reproducciones baratas y fáciles, comenzó a apropiarse de objetos encontrados para sus readymades (“ya hecho” en inglés), un término que tomó prestado de la industria de la moda cuando vivía en Nueva York. El artista sorprendió al mundo del arte al intentar mostrar en exposiciones estos objetos corrientes, que a menudo presentaba sin alteraciones excepto por su firma. El título de esta obra es un juego de palabras logrado al eliminar la letra n de las palabras French Window (“ventana francesa” en inglés) para obtener la expresión Fresh Widow (“viuda fresca”). La primera hace referencia a las ventanas dobles tan típicas de los apartamentos parisinos y, la segunda, a las mujeres que habían enviudado recientemente debido a la Primera Guerra Mundial. Duchamp no creó por sí mismo la ventana en miniatura, sino que se la encargó a un carpintero estadounidense.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 18
    Constantin Brancusi artist
    Romanian, 1876 - 1957
    Bird in Space 

    Si bien esta escultura puede parecer abstracta, Constantin Brancusi insistió en que sus obras revelaban la esencia interior de sus temas. Su obra se inspiraba en las tradiciones de la escultura africana y el tallado folklórico rumano, y el artista convirtió el pedestal en un componente integral de la obra. Brancusi trabajó en la serie Pájaro en el espacio durante varios años, y la concibió como un conjunto que coronaría sus logros. A diferencia de otros escultores, Brancusi no contaba con un gran taller; en cambio, trabajaba en solitario con sus materiales, en este caso tallando la piedra y puliendo el latón.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 19
    Piet Mondrian artist
    Dutch, 1872 - 1944
    Tableau No. IV; Lozenge Composition with Red, Gray, Blue, Yellow, and Black 

    Piet Mondrian quería que sus pinturas abstractas expresaran la noción espiritual de que las armonías universales presiden en la naturaleza. Los elementos horizontales y verticales de sus composiciones, calibrados cuidadosamente para producir una asimetría equilibrada, representaban fuerzas opuestas que emparejan el equilibrio dinámico que se despliega en el mundo natural. Mondrian dijo que las composiciones en rombo tenían que ver con el acto de cortar y, de hecho, la sensación de recorte aquí es decisiva. Las formas están incompletas y cortadas por el borde del lienzo, lo que implica un continuo pictórico que se extiende más allá del límite físico de la pintura.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 20
    Jean Dubuffet painter
    French, 1901 - 1985
    Façades d'immeubles (Building Façades) 

    Jean Dubuffet sentía que la pintura debía comenzar de cero tras la Segunda Guerra Mundial; buscó entonces inspiración en el arte de los no instruidos, en particular, niños y artistas autodidactas, cuya obra coleccionó y denominó art brut (arte en bruto). En Fachadas de edificios, Dubuffet mostró su propio art brut. Dubuffet adoptó la técnica escolar de raspar pintura negra aplicada sobre un fondo de color, y con ella elaboró una vista de una calle parisina como si fuera desde el punto de vista de un niño. Sin embargo, la grilla controlada con esmero y la pared de pintura imponente que lo cubre todo demuestran la conciencia que tenía el artista de las tácticas modernistas.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 22
    Jackson Pollock artist
    American, 1912 - 1956
    Number 1, 1950 (Lavender Mist) 

    Las pinturas chorreadas de tamaño mural de Jackson Pollock enfrentaron reacciones diversas cuando se expusieron por primera vez en 1948. Para esta pintura, el artista colocó un gran lienzo sobre el suelo de su estudio-granero, cubriendo el espacio prácticamente por completo. El artista utilizó pintura comercial, pintura al óleo, esmalte y aluminio; dejó gotear, vertió y lanzó los pigmentos utilizando pinceles y palos cargados de pintura mientras caminaba al rededor del lienzo. Pollock afirmó que esta era su manera de ser parte de su obra, actuando como un medio en el proceso creativo. “Firmó” la pintura en la esquina superior izquierda y en la sección superior del lienzo con la huella de sus manos.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 10
    Ellsworth Kelly painter
    American, 1923 - 2015
    Tiger 

    Los colores de Tigre surgieron a partir de estudios en collage que Ellsworth Kelly realizó con un papel engomado de color que se vendía en las papelerías parisinas y se utilizaba en las escuelas primarias francesas. El uso de este material revela el particular interés de Kelly por el objet trouvé (objeto encontrado), que es clave para comprender su mundo visual. Kelly halló sus formas y contornos abstractos en los espacios negativos de su entorno natural o urbano. En el periodo en que esta obra fue pintada, Kelly pasó mucho tiempo admirando el arte y la arquitectura europeos. Las estructuras geométricas que vio probablemente proporcionaron un material fuente para Tigre, aunque sea indirectamente.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 25
    Roy Lichtenstein artist
    American, 1923 - 1997
    Look Mickey 

    Mira Mickey es quizás la primera vez que Roy Lichtenstein traspuso una escena y un estilo de una fuente de cultura popular: el libro infantil de 1960 titulado El pato Donald: perdido y encontrado. Lichtenstein alteró sutilmente el original para convertirlo en una imagen más unificada al omitir las figuras del fondo, rotar el punto de vista 90 grados, organizar los colores en franjas de amarillo y azul, y simplificar los rasgos de los personajes. Estilísticamente, Lichtenstein imitaba a los medios impresos: los gruesos contornos negros, los colores primarios y, en los ojos de Donald y el rostro de Mickey, los puntos de tinta del proceso de impresión Benday, utilizado por entonces para producir tiras cómicas y revistas de bajo coste.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 26
    Donald Judd artist
    American, 1928 - 1994
    Untitled 

    La obra Sin título de Donald Judd se encuentra en el suelo, sin pedestal, directamente en el espacio del espectador, desenmarcada brutalmente de una manera que casi ninguna escultura previa había presentado. La estructura cúbica se genera por lógica geométrica en lugar de por una apelación al lenguaje de la expresión: la obra se ha seccionado a lo largo de la diagonal, una mitad presenta el doble de altura que la otra, lo cual crea una formación similar a un escalón. Judd se rebelaba contra lo que entendía como el ilusionismo continuo del modernismo europeo, presentando en su lugar una forma lúcida que existiría sencillamente como objeto. Su búsqueda del espacio literal en lugar del aparente desafía los términos de la perspectiva tradicional en la pintura.g.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 27
    Eva Hesse sculptor
    American, born Germany, 1936 - 1970
    Test Piece for "Contingent" 

    Eva Hesse no quería producir lo que entendía como una escultura convencionalmente bella. Rechazaba los medios tradicionales utilizados en escultura, como el metal o la piedra, y prefería en su lugar materiales más flexibles, como la fibra, el yeso o el látex, el último de los cuales utiliza en esta pieza de prueba. Esta pieza fue uno de los varios estudios para la obra final titulada Contingente, formada por ocho estandartes similares que hoy cuelgan en la National Gallery de Australia. Hesse la describió como “ni pintura, ni escultura… Es realmente pintura colgada”.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 29
    Barnett Newman artist
    American, 1905 - 1970
    First Station 

    Barnett Newman, una de las grandes figuras del expresionismo abstracto, fue un intelectual que desarrolló sus ideas en su pintura, escultura y escritura. A mediados de la década de 1940, creó sus primeras obras utilizando sus característicos elementos verticales, llamados “zips” o cremalleras, para interrumpir los campos monocromáticos de sus lienzos. Esta obra es la primera en una serie de 14 pinturas que Newman llamó Las estaciones del viacrucis (junto a una coda en forma de una 15a pintura, Ser II). Las estaciones del viacrucis fue el intento más ambicioso de Newman por abordar lo que llamó una “crisis moral” a la que se enfrentaban los artistas tras la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto: “¿Qué vamos a pintar?”

    [Return to top]

  • image:
    Stop 32
    Jasper Johns
    Target

    Jasper Johns se posicionó como artista destacado en la década de 1950 tras una época caracterizada por la pintura intensamente personal y gestual de los expresionistas abstractos. Su mérito consta en presentar objetos reconocibles de una manera fría, aparentemente objetiva y a menudo enigmática. Johns casi siempre seleccionaba la materia prima de su arte a partir de imágenes preexistentes, o de lo que llamaba “cosas que la mente ya conoce”. En los primeros años de su carrera, eligió motivos bien familiares, como numerales o formas derivadas de plantillas comerciales, blancos, banderas estadounidenses y mapas de los Estados Unidos. En obras como esta se pone de manifiesto la cualidad táctil de las superficies que creaba, cualidad que evidencia la estrecha relación que el artista percibía entre la pintura y la escultura.

    [Return to top]

  • image:
    Stop 33
    Helen Frankenthaler
    Mountains and Sea

    Montañas y mar es un perfecto ejemplo de la técnica de Helen Frankenthaler, que implicaba la creación de obras a través de manchas mediante un proceso en el que vertía pintura diluida sobre lienzos sin imprimación. Este método da como resultado campos de color transparente que parecen flotar en el espacio, y donde el tejido del lienzo pone de relieve el carácter plano de la imagen. Sus disposiciones de colores y formas suelen evocar el entorno natural, y cada obra crea un espacio visual y una atmósfera únicos.

    [Return to top]